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如同暗夜中前行 专访摇滚摄影师鱼子

0 2016-03-11 06:26:00   蜂鸟网   作者:林海音   责编: [读者稿]

  鱼子,福州人,手里常持相机,也持笔,这许多年岁,爱摇滚,爱摄影,爱读书,爱发呆。微博:@鱼子的乱七八糟

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“摇滚”是“摄影师”的前缀

  摇滚摄影师鱼子,这是鱼子最常被提到的方式,摇滚,摄影师,然后是鱼子。这么介绍他太正常了,因为他是迷笛音乐节官方摄影师。

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  可是鱼子并不能被一个词框定。他不是职业摄影师,本职工作和摄影完全不沾边;他在网络杂志《文艺生活周刊》兼职做摄影编辑,并且特别热爱自己的这个身份。大家叫他鱼子,因为他有一个与之谐音且常常被别人念错的本名;他热爱葡萄干,修片时会一把一把地往嘴里塞。

  对了,他还爱读书,读的是古诗词、禅、文学和社会学;因为父亲热爱HIFI音响的缘故,耳濡目染,从小喜欢音乐,偏爱的乐器是小提琴和大提琴。

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  这些听起来安安静静的因素,和摇滚两个字似乎格格不入,简直不在一个频道上,但事实上,鱼子确实把它们糅合在了一起,一面影响着另一面,缺一个都不是他。

  从一开始鱼子拿起相机,就是为了摇滚。

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  大学时期他先是每场演出都疯狂POGO的乐迷(注:POGO是发生在摇滚乐演出现场中的全民运动,在疯狂的音乐伴随下,歌迷们用身体相互撞击借以表达热情、烘托气氛),后来也玩乐队,吉他手。2009年底,他上大四,在看一次乐队演出时,朋友无意间让他用单反帮忙拍点照片。那是他第一次接触单反,“当时甚至连镜头要如何变焦都得问别人”,他笑,“好在那场演出就这样阴错阳差地拍完了,朋友们竟还蛮喜欢。”2010年8月,他大学毕业,买了人生中第一部相机。2011年春天,他开始拍照。
 
  那阶段,福州本地几乎所有的地下演出鱼子都会去拍。刚开始的作品并不让人满意,别人花一次两次就能掌握的东西,他往往需要尝试更多次数,就这么一小步一小步地往前走。除此之外,坚持看书,还在网上和其他的高手交流。“需要学习的不单是技术方面,更多的是需要思考他人对摄影的理念和思考。”
 
  那段时间的坚持,他回过头看,感谢两样东西。一是自己曾经对摇滚疯狂热爱的岁月。“所谓’摇滚摄影师’,’摇滚’是’摄影师’的前缀。因为有对摇滚的热爱,我在拿起相机面对舞台之后,才能比较了解自己想拍什么,想表达什么。”二是漫长时光中认识不认识的朋友对他的鼓励。“从最开始直到现在,因为没有人指导,全靠自己摸索,所以每一次进步都觉得非常不容易,也对那些喜欢我照片的朋友充满了感激之情。可以说大家的鼓励是我坚持努力到现在的最大动力。”
 
  一直到现在,听到别人说喜欢他的片子,他都会特别开心。

摇滚现场怎么拍

  看鱼子的照片,会有观看分隔成帧的摇滚演出的感觉,现场沸腾,呐喊疯狂,乐手就站在麦克风前,背后一束追光。
 
  这些照片如何诞生,鱼子做了详细的解释。

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  不同于其他摄影,拍摄摇滚现场有一个最大的难点——摄影师需要在混乱的现场环境和充满突发状况甚至危险的现场中捕捉传递音乐无尽活力的瞬间。他们有可能会被巨大的声响震坏耳朵,有可能被疯狂的乐迷撞伤,也有可能因长时间的拍摄而体力不消。正因如此,拍摄摇滚现场最首要的是对音乐的热爱。任何技术都可以摸索,理念可以培养,但是只有发自内心的热爱才能让你克服一切困难,真正沉醉在外人看来疯狂的摇滚现场中。

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  其次,在此基础上考虑选择什么样的镜头和机器。考虑到灯光和场地的客观因素,对相机的高感抑噪和对焦速度有一定要求,用比较早的入门单反和卡片机会相对而言更吃力点。此外,由于摄影师往往距离舞台很近,一个超广角往往能带来很大帮助,不仅能将舞台环境收入照片之中,而且可以让拍出来的乐手动作更具动感,让整个画面更具张力。大光圈的中长焦镜头虽然能很好的弥补暗光环境的劣势,但像在小型酒吧或者livehouse这样的地方,这样的镜头在焦距上容易显得太窄了些。另外,很多人喜欢鱼眼拍摄出的透视效果,但如果距离不合适,往往拍出的东西就会因为过于广而显得很“空”。

  简言之,不管是广角还是长焦,每个焦段都有与其相适应的距离感,摄影师应找好适合环境也适合自己习惯的距离感。比较理想的状态是合理搭配焦段(有两架机身更好),大场景和小细节互补,这样在节奏上也更好安排。鱼子的装备可以作为参考——机身:佳能6D + 5D2;镜头:佳能28-70 F2.8L、佳能70-200 F4L、佳能50 F1.4、佳能100 F2.8(这个拍现场用不到),腾龙17-35 F2.8-4;闪光灯:沃龙690II、沃龙660II。

  然后是捕捉画面。拍摄摇滚现场时,摄影师不仅需要关注表演者动作和神情,还要花更多精力去注意舞台灯光变化规律,同时凭直觉去判断,抓住自己需要的时机。鱼子的经验是,在现场先试着分析光线,注意舞台灯光的变化规律,利用不同光线的特性拍出不一样的照片(比如可以合理利用顺光、逆光、过曝、欠曝的效果)。至于构图,鱼子坦言他很少注意。“我觉得构图更多的是一种感觉,我更倾向于把精力用在分析现场光线和寻找各种各样的情绪上面。”

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  他还提到了自己的一些小技巧。在拍摄初期,为了表现摇滚热血的特质,他会尝试慢速同步闪光技巧。这种利用闪光灯开启和快门关闭的时间不一致,而让画面中产生不同影像轨迹的拍摄手法使得照片充满动感。超广角近距贴靠亦是拍摄富有冲击力的照片的常用方法。

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  足够快的反应速度和提前预判能力也是必需的。由于现场光线的复杂性,摄影师最好能熟练掌握M档使用;快节奏的拍摄现场和各种突发状况的出现,则需要摄影师更好关注拍摄和自身状况,有时候可以选择盲拍,把双眼从取景框中解放出来。
 
  最后,鱼子强调的最重要一点,甚至可以写成一句标语——摇滚摄影,注意安全!

如夜中前行

  鱼子拍过这么一张照片,荔枝王主唱RIZ抱着女儿在舞台上演出。RIZ给女儿带上防噪音耳罩,神情专注地面向观众演唱,小女儿就坐在他的腿上,躲在他怀抱里,笑得很开心,露出了一排牙。
 
  这是鱼子所理解的摇滚精神,爱、包容、和平,他喜欢摇滚乐的真诚和率性,喜欢那种对不平事物的努力抗争。鱼子拍摄了这么多的摇滚现场,这么多的照片,他希望它们成为人们脑海里关于一次演出记忆的直接映射,传达出音乐的力量,而不只是一个现场或是某个时刻的简单记录。

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  他平时爱看马格南图片社大师们的作品,努力在街头纪实方面的照片里寻找“马格南”式的审美方向,从去年底开始,尝试把这样的思路运用到摇滚现场摄影当中——在狂热的现场里逼迫自己保持冷静,刻意减少炫目舞台照的拍摄,更多希望从照片中发掘出一些属于音乐节现场的情绪,属于音乐与人之间的联系,寻找不同情绪和色彩的反差乃至寻找具有象征性隐喻性的画面。

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  不再一味用闪灯慢门创造华丽影像,而去捕捉沉到人心底的故事。

  这些年来,鱼子的摇滚摄影得到越来越多的肯定,他却告诉自己,“我的拍摄不应以得到潮水般的赞美为目标,而是如夜行人一般,保持自省与警惕,在黑夜中坚定前行”。所以他爱摇滚也爱读书,一直学习,持续思考,由此去观看这个世界,再潜移默化地推移到摄影层面。

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  即使一小步一小步,他坚持往前走。
 
  在采访的最后,鱼子写了这么一段话,我把它完整地摘录在这里,也许这样,大家能看到一个更完整的鱼子。

  “一直以来,我都没有一种“胜利”或者“成功”的感觉。我觉得我是一个毫无天赋的人,在很多事情(包括摄影)上,很多人只要练习两三次就可以掌握的东西,或许我五六次之后还是难以领悟。有时候经过千辛万苦,其实到头来往往觉得自己绕了一大圈,却只往前走了一小步。我相对擅长的摇滚舞台摄影,其实在摄影圈内是一个相对小众的题材,关注者寥寥。而且这个题材本身对于拍摄也有诸多限制——客观上,舞台灯光,演出者状态乃至天气条件都是摄影师自身因素之外的决定性因素;主观上,因为题材本身的限制,摄影师自身也难以有非常自由的自我表达。包括我更加热爱的街头纪实这一题材,也并不是一个在国内容易“涨粉丝”的题材。我觉得拍照片这事情,如果能够得到更多人的认可当然开心,但最重要的还是拍出对得起自己的作品。戴安·阿勃斯说过:“我相信一定存在着什么,如果我不去拍它,人们就看不见。”我探索着并不热门的题材,也常以此自勉。
 
  我习惯让自己一直处于阅读学习的状态,一方面多看摄影大师们的作品和理念,在摄影上让自己有更多的领悟;但更多的是通过长期持续性的阅读,保持自己对文化,社会和生活的思考。亚当斯有一句名言:“我们不只是用相机拍照。我们带到摄影中去的是所有我们读过的书,看过的电影,听过的音乐,爱过的人。”拍照诚然重要,但我觉得更重要的是如何在整个人生中,更深入的看清自己,思考道理,对待世界。学习,就是一个永远在发现自己的无知的过程。永远的学习,才永远发现自己的渺小。对摄影,对人生,都是如此。
 
  我不敢妄谈才情,也不敢奢求前途,只希望面对世界,面对自己,都可以真诚如实。”
 

「Q&A」

1、喜欢哪些摇滚乐?

  在摇滚里面的话,喜欢美式老金属,新古典主义金属,力量金属,交响哥特金属这类型的。平时听民谣比较多,有时候也会听听古典弦乐,最喜欢的乐器其实是大提琴。

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2、你的作品中色彩、明暗都非常棒,能分享点后期吗?

  首先,我一直认为不管是街头纪实还是摇滚现场摄影,只要是纪实的范畴,前期就永远是一张好照片基础。前后期是一体的,都是为了最终更好的表达出摄影师希望表达的内容而服务,二者相辅相成。我的照片往往前期就有很好的完成度。

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  另外,后期处理上,我我绝大部分的的照片都是RAW格式,在LR里完成,没有用到任何的HDR插件。处理的大致思路是:用LR定出大致调子,先处理好明暗关系,具体到颜色、色温、饱和度、HSL都会用到。注意保证尽量在亮部和暗部都留出细节,也在追求强对比度和浓郁色调的时候控制不要过饱和溢出。也在前期的基础上适当加强灯光色彩对比和反差。

  最后,还是那句话,前期对光线和场景观察分析比后期重要的多!

3、现在成为摇滚音乐会官方摄影师,是否还能像以前那样享受音乐呢?

  我真的很多年没有好好的享受过演出了。现在的我,在拍摄演出的时候总是会戴着防噪音耳塞,一方面是为了保护听力;另一方面,其实是为了让自己把更多的精力集中在拍摄本身。刚开始拍演出的那段时间,我总是边拍摄边疯狂POGO,后来经过自己的沉淀和反思,我认为自己应该更认真的思考如何拍好照片。我在拍摄的时候会调整自己的状态,我并不会完全冷静,绝对的冷静往往意味着和音乐的距离。我让自己在思考拍摄的同时,尽量融入音乐当中,寻找共同的节奏感和灵感,寻找情绪的共鸣。至于不能很好的享受演出,肯定是会感到遗憾的,但我认为,既然我的身份是“摄影师”,那么我首先考虑的就必须的照片本身。

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4、如何形成个人风格?

  我觉得对于自己的拍摄对象,多感受,多总结,多思考,就可以帮助形成自己的拍摄理念,当你在理念和经验上都有一定的积累后,所谓“个人风格”的基调就是自然而然的。当然,随着不断探索,理念也会发生变化,这在照片上体现的也特别明显。我自己每次拍摄迷笛都会带着不同的思路和不同的理解进行尝试。

5、如何让自己进步?之后的拍摄打算?

  保持阅读和感受生活(呵呵,前面说过啦)。另外,除了摇滚现场摄影,其实我也把相当多的精力放在人文纪实这个题材上。我目前的拍摄思路,是希望挖掘出生活在城市里,最普通市民生活中的点滴戏剧性的瞬间,寻找他们在不经意中对生活饱含着的丰富情感,然后定格和放大这些故事性的因素(2014年开始打算尝试新的s思路)。我平时也会花很多时间看一些马格南的画册,和一些其他优秀的纪实摄影作品。通过这些,也对我拍摄摇滚演出有很大的影响。在“猛冲猛打”之外,我也会寻找其他的情感。

-The End-

林海音
居住在纽约的职业人像摄影师
创办有Haiyin Lin Studio

在这个小小的平台
提供人像摄影的学习资源 分享有趣的摄影理念

微信公众号:林海音    微博:@摄影师林海音
工作联系:haiyinphotography@gmail.com

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